先日、ガウディ展へ行ってきました。

正直に言うと……

私は建築にまったく詳しくありません。

建築って、なんだか難しそうじゃないですか？

専門用語も多いし、芸術や数学の知識が必要そうで、「私に分かるかな？」と少し身構えていました。

でも、実際に行ってみると。

「難しいけど、発想が面白い」

触って・座って・作る！そんな体験型ミュージアムでした。

ガウディ建築は、人工物なのに自然だった

ガウディといえば、スペインのサグラダ・ファミリア。

テレビや写真で見たことはあったけれど、「派手な建物」「独特なデザイン」というイメージくらいしかありませんでした。

でも展示を見ていて感じたのは、

「自然に逆らっていない建築なんだな」

ということ。

柱は木の幹のように枝分かれし、建物全体が森のよう。

建築なのに、どこか“生きている”ように見えるんです。

人工的なのに不自然じゃない。

むしろ、自然の中にいる時みたいに落ち着く。

あの感覚は不思議でした。

「いつも開かれていて、わたしたちが丁寧に読み取るべき偉大な書物―――それは”自然です”。」
（ガウディの名言）

実際に触れて分かった「心地よさ」

今回の展示で、私が特に印象に残ったのは「触れられる展示」です。

ドアノブや椅子など、実際に手で触れたり座れたりするコーナーがありました。

これが……想像以上によかった。

ドアノブが気持ちいい？

展示されていたドアノブ。

「ただの取っ手でしょ？」と思いながら触れてみたら、びっくり。

滑らかな曲線が、手にすっと馴染む。

変に角張っていなくて、ずっと触っていたくなるんです。

「え、これめっちゃ気持ちいい……」

と、思わず何度も握りたくなるほど。

ガウディは粘土を使い、人の手にフィットする形を研究したそうですが、それを体感できた気がしました。

デザインって、見た目だけじゃないんだな。

「触った時の気持ちよさ」まで考えられている。

そんな丁寧さを感じました。

「物事をうまくやるには、まず愛、そして技術が必要です。」
（ガウディの名言）

椅子が、体を包み込んでくれた

もう一つ印象に残ったのが、大きなペアの椅子。

実際に座れるようになっていたのですが、これが本当に心地よかった。

木の温もりがあって、体が自然にフィットする。

「座るぞ！」と力を入れなくても、すっと体を預けられる感じ。

なんというか……

木に包まれているような安心感。

建築って「見るもの」だと思っていたけれど、ガウディの作品は「体で感じるもの」なのかもしれないと思いました。

重力を使って設計する？その発想に驚いた

展示では、重力を使って設計する体験もできました。

これがまた面白かった。

重りを吊るして逆さの状態で設計し、ひっくり返すことで理想の形を作るという方法。

「え？逆さで作るの？」

最初は意味が分からなかったんですが（笑）

実際に体験すると、

「重力って、敵じゃなくて味方なんだ」

という考え方に驚きました。

建築って、人間が自然を支配して作るものだと思っていた。

でもガウディは、自然の力を利用していた。

その発想が、なんだかすごく面白かったです。

時間制限があったのでゆっくり体験できなかったけれど、もし時間無制限だったら、私はたぶん延々と考えていたと思います。

難しいけど、楽しい。

そんな感覚でした。

一瞬「異質」に感じる。でも目が離せない

正直に言うと、ガウディのデザインは少し派手だなと思います。

曲線的で、規則正しい感じではない。

最初は少し戸惑いました。

「なんか不思議」
「なんか変わってる」

そんな風に、一瞬“異質”に感じることもある。

でも見ているうちに気づくんです。

その形は、木だったり、生き物だったり、自然の中にあるものがヒントになっている。

だから、奇抜なのに落ち着く。

派手なのに嫌じゃない。

むしろ、ずっと見ていたくなる。

ガウディの建築が多くの人を惹きつける理由が、少し分かった気がしました。

神様の作った世界への尊敬を感じた

私は展示を見ながら、

「ガウディって、自然をすごく尊敬していた人なんだな」

と思いました。

ただ真似をしたのではなく、

木や光、風、重力、生き物……

神様が作ったものの仕組みに、心から感心していたんじゃないかなと。

だからこそ、建築なのに森の中にいるような感覚になるのかもしれません。

人工物なのに、自然と喧嘩しない。

むしろ、自然に寄り添っている。

それが、ガウディ建築の魅力なのかなと思いました。

「人間の創造物は神の創造物を超えてはならない。だからこそ、サグラダ・ファミリアは高さ170メートル、ムンジュイックより３メートル低いのだ。」（ガウディの名言）

建築が分からなくても楽しめる展示だった

建築のことは、今でも正直よく分かりません（笑）

でも、分からなくても楽しめました。

難しい理論が分からなくても、

「なんか気持ちいい」
「なんか落ち着く」
「なんか触りたい」

そんな感覚で十分なんだと思います。

ガウディ展は、“頭で理解する”というより、**“体で感じる展示”**でした。

もし「建築って難しそう」と思っている人がいたら、安心してください。

私でも楽しめました（笑）

そして気づけば、きっとあなたも森の中に迷い込んだような気持ちになっていると思います。

先日、ずっと気になっていた「高島野十郎展」に行ってきました。

正直に言うと、最初は「静物画や風景画の展示かな？」くらいの気持ちでした。

でも実際に見終わったあと、心に残ったのは——

「なんだか、静かな自分に戻れた」

そんな感覚でした。

【展覧会情報】
会期：2026年3月25日（水）〜6月21日（日）
会場：大阪中之島美術館 4階展示室
開館時間：10:00〜17:00（入場は16:30まで）
休館日：月曜日（※4月27日、5月4日は開館）
観覧料：一般1,800円／高大生1,200円／中学生以下無料

高島野十郎ってどんな画家？

高島野十郎は、東京帝国大学（現・東京大学）の水産学科を首席で卒業した秀才。

しかも、安定した道を選ばず、画家の道へ進んだ人です。

私はここに、妙に親近感が湧いてしまいました。

なぜなら……

私も水産学科だったから（笑）

「え！水産学科！？」と思わずテンションが上がる私。

今回は水産学部時代の仲間と一緒に展示へ行ったので、

「この人、めっちゃ頭良かったんやな」
「でも画家になるってすごい人生！」

なんて話しながら、盛り上がりました。

なんだか勝手に“同志感”を感じてしまいました。

なんでもない風景なのに、なぜか懐かしい

高島野十郎の絵には、派手さがありません。

有名な観光地でもない。

特別な瞬間でもない。

田んぼ、道、池、夕暮れ、花。

ただ、そこにある風景。

でも不思議なんです。

絵を見ていると、

「ああ、なんか懐かしいな」

そんな気持ちになる。

しかも、見ているうちに、なんとも言えない温かさがじんわり広がるんです。

「生きるって悪くないな」

そんな気持ちになるというか。

忙しい毎日の中で、ちょっと忘れていた感覚を思い出させてくれるような絵でした。

月の絵が、とにかく忘れられない

今回特に心を奪われたのが、月をテーマにした作品。

静寂。

本当にその言葉がぴったり。

でもただ静かなだけじゃない。

しんとした夜の空気の中で、

フクロウの声が遠くから聞こえてきそう。

そんな気配まで感じるほど、美しかったんです。

ただ月が描かれているだけなのに、

なぜかずっと見ていたくなる。

不思議な魅力がありました。

蝋燭の絵に感じた、優しさ

高島野十郎といえば「蝋燭」の絵が有名。

展示にはたくさんの蝋燭の作品が並んでいました。

でも、一つひとつ違うんです。

炎の大きさ。

明るさ。

空気感。

同じ蝋燭なのに、それぞれ別の表情がある。

そして驚いたのが、その絵たちを販売目的ではなく、親しい友人への贈り物として描いていたということ。

そのエピソードを知った瞬間、

「なんて優しい人なんだろう」

と思いました。

蝋燭のほのかな炎みたいに、ふわっと温かい人柄が伝わってくるようでした。

心を静かにしたい人におすすめしたい展覧会

高島野十郎展は、

「すごい！圧倒される！」という展示ではありませんでした。

でも、

静かに心へ沁みてくる展示。

慌ただしい毎日の中で、少し疲れている人。

考えすぎて頭がいっぱいの人。

そんな人ほど、ゆっくり見てほしい。

私は絵を見ながら、少しだけ“静かな自分”を取り戻せた気がしました。

美術館を出たあと、なんだか心がほっこり。

そんな時間でした。

今回は京都で開催されている話題のイベント
KYOTO NIPPON FESTIVAL 2026 -時をこえ、華ひらく庭- に行ってきました！

私はイマーシブ公演は体験していないのですが、
梅苑エリアのアートインスタレーションを見てきたので、その感想をリアルにお届けします。

■ 会場は学問の神様で有名なここ

舞台は京都の
北野天満宮

ここは、学問の神様として知られる
菅原道真 を祀る神社で、

✔ 合格祈願
✔ 学業成就

で全国から人が訪れる有名なパワースポットです。

境内はかなり広くて、

・国宝の御本殿
・梅苑
・もみじ苑

など、四季を通して楽しめる場所になっています。

■ 料金と今回見たエリア

私が入った梅苑エリアは

• 前売り：2,800円
• 当日券：3,000円

でした。

正直ちょっと高いかな？と思ったけど、
入ってみたら納得でした。

■ 梅は終わり…でも逆に最高だった

行った時期は、梅の花はほぼ終わり。

少し残念でしたが、新緑がとにかく美しくとても癒されました。

青々とした緑の中に、
蜷川実花さんらしい“色と光”の演出が入ることで、

「静かな京都」×「派手なアート」

このバランスがめちゃくちゃ良かった。

一番印象に残ったのは池の周り。

キラキラ光るクリスタルが配置されていて、
水辺と光が反射して本当に幻想的。

歩いているだけで

「ここ現実？」ってなる感じ。

写真好きな人はかなりテンション上がると思います。

またライトアップされているので、夜に行ったら違った幻想的な世界を見ることができると思います。

■ ただ歩くだけでリラックスできる空間

・太鼓橋を渡る
・緑の中をゆっくり歩く
・静かな空気を感じる

これだけでかなり癒されました。

最近ちょっと疲れてる人には、正直かなりおすすめ。

■ もみじの新緑も見頃だった

北野天満宮って紅葉のイメージ強いけど、
実は「青もみじ」もかなり綺麗。

今の時期は、とっても繊細な明るい緑の小さな葉っぱたちが
やわらかい光に包まれて

とっても目に優しい景色が広がってました。

■ イマーシブ公演も気になる…

今回は見てないけど、かなり気になったのがこれ👇

「花宵の大茶会」

豊臣秀吉の茶会をモチーフにした
没入型（イマーシブ）シアターらしく、

✔ 役者が境内を動き回る
✔ 観客もその世界に入り込む

っていう体験型の公演。

次行くなら絶対これ見たい。

■ 北野天満宮は“普通の観光”でも強い

改めて思ったのが、ここはイベント抜きでもすごい場所。

✔ 全国約1万2000社の天満宮の総本社
✔ 約1500本の梅
✔ 秋は紅葉の名所

さらに

・撫牛（なでうし）
・学業守り
・天神市（毎月25日）

など見どころもとても多かったです。

■ 正直レビュー｜お金をかけなくても楽しめる？

前売り2,800円（お茶菓子付き）で、
クリスタルが散りばめられた梅苑はとても綺麗でした。

幻想的な空間で、「来てよかったな」と思える体験だったのは間違いないです。

ただ正直に言うと…

「無料でも十分楽しめる部分はある」とも感じました。

■ 無料でも見られる作品もある

例えば、
《残照》という作品。

これはチケットがなくても見ることができるので、

「ちょっと雰囲気だけ味わいたい」
「時間がないけど寄ってみたい」

そんな人でも気軽に立ち寄れます。

■ 実は“庭そのもの”がすごい

そして何より思ったのが、

北野天満宮は、アートがなくても普通にすごい。

新緑のもみじが広がる、広い庭。

ただ歩くだけでも気持ちいいし、かなり癒される。

■ こんな楽しみ方もアリ

✔ しっかり楽しみたい → 有料エリアへ
✔ 軽く寄りたい → 無料エリアだけでもOK

こんなふうに、自分のスタイルで楽しめるのも良いところ。

■ まるがおのまとめ

今回行ってみて思ったのは、

「無理して全部課金しなくてもいい」ということ。

もちろん有料エリアは綺麗で満足度は高いけど、
無料でもちゃんと“京都らしい癒し”は味わえる。

このバランスが、すごく良かったです。

■ イベント基本情報まとめ

今回訪れた
KYOTO NIPPON FESTIVAL 2026 -時をこえ、華ひらく庭- の基本情報をまとめておきます。

● 会期・時間

• 全体会期：2026年2月1日～5月24日（休苑日あり）
• アートインスタレーション
  《光と花の庭》《残照》
  → 9:00～20:30（最終入場20:00）
• イマーシブシアター
  《花宵の大茶会》
  → 2026年3月20日～5月24日
  → 上演時間：約60〜70分（休演日あり）

● 入場料

• 大人：約3,000円
• 子ども：約1,500円

※チケットは事前販売あり（詳細は公式サイト推奨）

👉 私が行った時は
**前売り2,800円（お茶菓子付き）**でした。

● アクセス

会場は
北野天満宮

• 京都駅から市バス50系統
• JR円町駅から203系統

👉「北野天満宮」バス停で降りてすぐです。

■ 行く前に知っておくといいこと

✔ 昼と夜で雰囲気が変わる（ライトアップあり）
✔ イマーシブは別料金＆やや高め
✔ 無料でも楽しめるエリアあり

「全部回らなきゃ！」じゃなくて、
自分の時間とお財布に合わせて楽しむのがコツです。

今日の記事は、美術館は好きだけど、「絵の見方がよくわからない…」という方にこそ読んでほしい。

久しぶりに美術館へ行ってきました。
今回訪れたのは、西洋絵画の400年を丸ごと体感できる、とても贅沢な展示会です。

展覧会情報
∙ 展覧会名：西洋絵画400年の旅―珠玉の東京富士美術館コレクション
∙ 会期：2026年3月20日〜2026年5月24日
∙ 会場：京都市京セラ美術館

東京富士美術館のコレクションから、西洋絵画の歴史を代表する作品が一堂に集められた展示。まさに“400年の旅”を体感できる構成で、終始わくわくしっぱなしでした。

今回の展示は、西洋絵画の歴史を「ジャンル」と「時代の変化」からたどる構成になっていて、絵画の見方がぐっと広がる内容でした。

西洋絵画には「格付け」があった時代がある

ルネサンスから19世紀前半までの西洋絵画には、描かれるテーマによって「格」が存在していました。

上位から順に並べると、こんな感じです。

• 歴史画（神話・聖書・英雄の物語など）
• 肖像画（王侯貴族や富裕層）
• 風俗画（日常生活）
• 風景画（自然や都市）
• 静物画（果物や花、器など）

いま見ると意外ですが、果物や花を描いた静物画は最も格が低いジャンルとされていました。
もともとは歴史画の「背景」や「添え物」だったものが、徐々に主役として独立していったそうです。

こうした流れを知ると、展示の見え方も変わってきます。

肖像画のリアルさに驚く―スフマート技法とは

今回特に印象に残ったのは肖像画。

「スフマート」とは、輪郭をぼかして柔らかく見せる技法で、レオナルド・ダ・ヴィンチが得意としたことで有名です。この技法で描かれた作品は、まるで本当に呼吸しているかのような肌の質感で、思わず見入ってしまいました。

肖像画は単なる顔の記録ではなく、その人の地位や理想像、性格までも表現するもの。
衣装や持ち物まで細かく描かれている理由も納得です。

静物画の“おいしそう”の正体

静物画では、みずみずしい果物が描かれた作品がとても印象的でした。
思わず手を伸ばして食べたくなるほどのリアルさ。

でも静物画には、ただ美しいだけでなく
「人生のはかなさ」
「富の儚さ」
といった意味が込められていることも多いそうです。

きれいな花も、熟した果物も、時間が経てば失われる。
そんなメッセージを静かに語りかけてくるのが静物画の魅力なんですね。

格付けでは最下位だったジャンルが、実はこんなに深い意味を持っていたとは。

近代になると西洋絵画は大きく変わる

19世紀になると、絵画の世界は大きく変化します。

それまで主流だった歴史画中心の価値観が崩れ、
画家の個性や感情を重視する表現が登場します。

日常生活を描く作品が増え、
外に出て自然の光を描く画家も現れ、
やがて印象派へとつながっていきます。

さらにその後は、

• レアリスム（現実をありのまま描く）
• 印象派（光と色彩を重視する）
• シュルレアリスム（精神世界や夢を描く）

と、絵画はどんどん自由になっていきます。

展示を見ながら、この流れが一気に体感できたのも面白かったです。

やっぱり私は印象派が好き

クラシックな歴史画も素晴らしかったし、リアルな肖像画や静物画にも感動しました。

でも最後に思ったのは、
「やっぱり私は印象派が好きだな」
ということ。

光の揺らぎや空気感、やわらかい色彩。
見ているだけで心がふっと軽くなるような感じがします。

まとめ―絵の見方が変わると、美術館がもっと楽しくなる

西洋絵画の400年をたどる展示は、
時代ごとの価値観の変化や、
画家たちの挑戦の歴史を感じられる時間でした。

絵の見方が少し変わると、美術館がもっと楽しくなりますね。
またゆっくり、好きな絵に会いに行きたくなりました。

展覧会情報（再掲）
∙ 展覧会名：西洋絵画400年の旅―珠玉の東京富士美術館コレクション
∙ 会期：2026年3月20日〜2026年5月24日
∙ 会場：京都市京セラ美術館

今回、久しぶりに美術館に足を運びました。

今、大阪中之島美術館で開催中の「拡大するシュルレアリスム」に行ってきました。

「拡大する」とは！なんだかワクワクさせるタイトルですよね。

シュルレアリスムは私たちの無意識の中、日常のあちこちにあるんだそうです。

展覧会情報

• 展覧会名：拡大するシュルレアリスム ― 視覚芸術から広告、ファッション、インテリアへ
• 会期：2025年12月13日（土）〜2026年3月8日（日）
• 会場：大阪中之島美術館4階展示室
• 開館時間：10:00〜17:00（入場は16:30まで）

シュルレアリスムってなに？

シュールの語源でもあるシュルレアリスム（超現実主義）は、1924年に
アンドレ・ブルトンが提唱した芸術運動です。

キーワードは

• 無意識
• 夢
• 偶然の連想

フロイトの深層心理学の影響を受け、現実を超えた夢や無意識の世界の探究。
理屈ではなく、心の奥から湧き出るものを大切にする考え方です。

「シュールだな〜」と言いたくなる時や、感じる時って、どこか切り離されたような世界観を感じた時ですよね。

言葉の意味を深く考えずに使っていましたが、使い方としては間違っていなかったようです。

代表的な作家たち

本展では、

• サルバドール・ダリ
• マックス・エルンスト
• ルネ・マグリット

など、シュルレアリスムを代表する作家の作品が紹介されています。

特に印象的なのが、

マグリットの《レディ・メイドの花束》（大阪中之島美術館所蔵）と

《王様の美術館》（横浜美術館所蔵）が並ぶ展示。

同じ作家の作品を並べて見る贅沢さ。

見比べることで、作品の奥行きがぐっと広がります。

私が思っていたよりもずっと大きな絵画で、迫力もすごい！

芸術は「日常」へと広がった

今回の展覧会の特徴は、

“美術作品”だけで終わらないところ。

シュルレアリスムは、

• 広告
• ファッション
• インテリア

といった、私たちの暮らしの中にも広がっていきました。

約100年のスケールで、

芸術が社会にどう影響してきたのかを体感できる構成になっています。

作家たちと私の感想

ルネ・マグリット

私も大好きなルネ・マグリット。青リンゴとシルクハットが印象的な画家です。

マグリットの作品の前に立つと自然と足が止まります。

マグリットの作品は、とても静かで理知的。色使いもくっきりと整っています。

でも、眺めていると「ん？」となるんですよね。

きっとこの世界には風も吹いていないんだろうな、と思わせる静かな異世界。

マグリットの作品は、静かに語りかけてきます。

なんなんだこの世界観は。
言葉と受け取るイメージのずれが、私の探究心をくすぐって、ずっと見てしまう。絵に引き込まれるとはこのことを言うんだなと感じさせてくれる画家です。

サルバドール・ダリ

サルバドール・ダリは、溶けた時計があまりにも有名な画家ですよね。

どんな人でも、溶けた時計のモチーフは目にしたことがあると思います。

シュルレアリスムの作品は、硬くて直線的で無機物。静止した世界。そんなイメージがあります。でも、ダリの作品は、無機物で硬いはずの時計が溶けている。

もう、これは緊急事態です。
無機質な世界の中で、時計だけが動きを持っている。脳内がプチパニックを起こします。

これまた立ち止まって、じっくり見てしまう。

ダリの作品は、ダイレクトに心を掴んできます。

私の脳はこの摩訶不思議な世界をなんとしても解明したい気持ちでいっぱいになるようです。

会場の壁には、ダリのこんな言葉が掲げられていました。

シュルレアリスムは奇妙な毒である。シュルレアリスムは芸術の分野でこれまでに発見された想像力に対する毒物の中で、最も強烈で最も危険なものである。シュルレアリスムは抗しがたく、恐ろしく伝染する。用心せよ。私はシュルレアリスムを運んでくる。

なるほど…どうやら私はダリの毒に侵されていたようです。

ジョルジョ・デ・キリコ

ジョルジョ・デ・キリコの作品もありました。

デ・キリコは“形而上絵画”の画家。難しそうな言葉だけれど、実際に見ると、説明より先に感覚が動きます。

乱雑に置かれた無機物。
綺麗に並べられたパン。
計算された空間。

混乱やアイデンティティの揺らぎを表しているとも言われますが、私はとても落ち着く気持ちになりました。

何も起きない時間。誰もいない空間。それがなんと豊かに見えるなんて。

日常の疲れた時には、ぼーっと眺めていたいと思わせる絵画でした。

まとめ

シュルレアリスムは本当に難しくて、理解しがたい世界観もあります。

でも、だからこそ心を揺さぶられる。

これぞアートだなぁ、としみじみ感じた展覧会でした。

今日はタイトルそのまま！

あの有名な

ヨハネス・フェルメール《真珠の耳飾りの少女》が

日本で、しかも大阪で見られるんです！

去年の暮れから噂で聞いていて、ずっと楽しみにしていました。

教科書で見た、あまりにも有名なあの少女。

しかも今回を逃すと、もう二度と日本では見られないかもしれない…？

そう思うと、どうしてもこの目で見ておきたい。

ラピスラズリの青を、この目で

まず目を奪われるのは、あのターバンの青。

別名《青いターバンの少女》とも呼ばれるほど印象的ですよね。

あの青は、天然石ラピスラズリを砕いて作られた高級顔料。

深くて鮮やかで、どこか光沢を帯びた青。

写真や画面越しではなく、

本物の粒子感と光沢を、この目で見てみたい。

真珠は「描かれていない」？

そして真珠の耳飾り。

実はこの真珠、輪郭線でくっきり描かれているわけではなく、

光の反射だけで立体感が表現されているそうです。

言われてみれば、画像で見ると少しぼやっとしているような…。

だからこそ、本物を見たい。

本当に光だけで存在しているのか、確かめたい。

振り返る少女の眼差し

振り返るような構図。

こちらをまっすぐ見つめる瞳。

青と黄色のコントラスト。
左上から差す光と影。
省略された背景は、ただ深い黒。

あの少女の前で、立ち止まらずにいられる人はいるのでしょうか。

もし会えたら、彼女は私に何を語りかけてくれるのか。

今から楽しみで仕方ありません。

展覧会情報

会場：大阪中之島美術館

会期：2026年8月21日〜9月27日

詳細は2月下旬に発表予定とのこと。

公式サイトはこちら

フェルメール展公式サイト

オランダ絵画の至宝、フェルメール《真珠の耳飾りの少女》が14年ぶりに日本公開。2026年8月21日〜9月27日、大阪中之島美術館で開催。

vermeer2026.exhibit.jp

オランダ絵画の至宝、

《真珠の耳飾りの少女》が14年ぶりに日本公開。

これはもう…行くしかないですね。

勝手に宣伝！笑

みんなで観たいフェルメール展！

先日、SNSを眺めていると、ふと目に留まった記事がありました。

Canonギャラリー大阪で開催されている、佐藤 和斗 写真展「生き物たちの暮らす森」。

私は普段から美術展の情報をよくチェックしているのですが、流れてくるのは関東、特に東京の美術館のものがほとんど。

「行きたいな」と思っても、なかなか足を運べないことが多いのが正直なところです。

でも今回は大阪。それに写真展。

場所を調べてみると、いつも通っている中之島美術館のすぐ近く。
会期も12月24日まで。

これは行くしかない、と思いました。

Canonギャラリーはキャノンプラザ大阪内にある、小規模なギャラリーでした。

Canonのカメラがずらっと並んだショールーム。カメラは家電量販店でしか見かけたことのなかった私は、カメラやレンズがずらりと並んでいるそのかっこよさに感動しました。

ショールームの一角にありました。雰囲気がガラリと変わり黒い壁に薄暗い照明。大小さまざまな写真が並び、そのひとつひとつにスポットライトが当たり、完全に没頭できる空間でした。

写真一枚から始まった興味

記事のサムネイルになっていたのは、

木のウロから顔を出し、羽を休めているコウモリの写真。

「かわいいなぁ」

その一枚に、すっと心をつかまれました。

絵画は「実物」を見ることで完成する

絵画というものは、写真で見るのと実物を見るのとでは、まったく印象が違います。

筆のタッチ、

絵の具の光沢、

塗り重ねられたことで生まれる凹凸。

実物を前にして初めて気づくことが、たくさんあります。

では、写真はどうでしょうか。

正直なところ、

「画面で見るのと、そんなに変わらないのでは？」

と思っていました。

写真は「空気」を感じさせる

けれど、会場で大きなパネルとして展示された写真を見て、その考えは変わりました。

緑に包まれた森の中、

やわらかな光に照らされたフクロウ。

そこには安らぎがあり、

森の湿度や、ひんやりした空気まで感じられるようでした。

写真なのに、

その場に立っているかのような感覚。

生命の息吹を感じるほどに生い茂った緑に囲まれた鹿の頭蓋骨の写真なんかはとてもメッセージ性があり、「今を生きろ！」というような熱い思いを受け取りました。

刹那を切り取るということ

写真は、その一瞬を切り取る表現。

絵画よりも、

時間の流れを強く、刹那的に感じました。

どこを切り取るのか。

何にピントを合わせるのか。

それだけで、同じ景色がまったく違うものに見える。

さらに見れば見るほど絵画的と思えるような写真もありました。

絵画は絵の具に水、ないしは油を混ぜて描きますが、写真は絵の具を光でといたかのような色で、私の好きな印象派の画家たちはこの光というものを描こうとした。

そんなことにも気づかせてくれる写真たちでした。

写真と絵画、似ているところ

構図の重要性という点では、

写真も絵画もよく似ていると思います。

どこを切り取り、

どの角度から見るのか。

それによって、作品の雰囲気は大きく変わりますよね。

モネとルノワールの「ラ・グルヌイエール」

同じ景色を描いた作品として思い出したのが、

モネとルノワールの《ラ・グルヌイエール》。

同じ場所で、同じものを見ていても、

モネは水面のきらめきにピントを合わせ、

ルノワールは人の存在に重きを置いた。

その違いが、とても面白い。

きっとお互いの作品を見て、

新しい気づきが生まれて、

楽しい時間を過ごしていたんだろうな、なんて想像してしまいます。

今の私が感じる、写真と絵画

歳を重ねるにつれて、

景色が少しぼやけて見えるようになりました。

だからこそ、

写真の画質の良さ、その美しさに驚かされます。

実際に目で見るよりも、

綺麗に見えると感じることもあります。

今の私は、

絵画の方が、実際に景色を眺めているような気がします。

一方で写真は、

知らない世界を見せてもらっているような感覚。

「この世界って、こんなに美しいんだ」

そんなふうに、心を揺さぶってくれます。

写真も、絵画も

写真と絵画は、似ているようで、やっぱり違う。

それぞれに良さがあって、

見るポイントも違って、

それぞれの面白さと感動があります。

だから私は、どちらも大好きです。

今回、初めて訪れたCanonギャラリー。

素敵な写真に出会えて、

これからも、ちょこちょこ立ち寄りたい場所になりました。

またひとつ、

私の「お気に入りの居場所」が増えました。

ひとり語りラジオ始めました↓
番組 #まるがお。夜さんぽ #Radiotalk
https://radiotalk.jp/program/165400

先日、大学時代からの仲良しメンバーと、念願の 須磨シーワールド に行ってきました！

須磨シーワールドは、2024年6月にリニューアルオープンしたばかり。

「行こう行こう！」と言い続けて1年…ついに予定を合わせて行くことができました。

オープンから1年、建物も水槽もピッカピカ！

３つの巨大エリアとレストラン・ショップの充実度がすごい！

施設は大きな建物が３つに分かれていて、

• 迫力満点の シャチのショー水槽
• キレッキレに泳ぐ イルカショーの水槽
• ペンギン・アザラシ・アシカの餌やりが見られるエリア
• 魚・クラゲ・ウミガメなどの展示がずらりと並ぶ館内

見応えのあるエリアがぎゅっと詰まっていました！

レストランはフードコート形式とビュッフェの2種類。

お土産ショップも2店舗あって、品揃えもしっかり！

こちらはフードコート形式のレストランでいただいたタラのみぞれ煮丼です。

とにかくシャチ！迫力が…規格外！！

なんといっても、メインは シャチのオルカショーですよね。

巨大なシャチが水面に叩きつけるようにジャンプすると、

地響きみたいな衝撃が胸までズドーン！

あの重たい身体があんなに軽々と泳ぐなんて、もう鳥肌ものでした。

トレーナーのお姉さんと息がピッタリで

背中に乗ってサーフィンする場面ではシャチの大きさにお姉さんがまるで人形のように小さく見える。

シャチの“分厚さ”がまたすごい。

かわいいけど、強い。強いのに、優しい。

あれは一度見たら忘れられません。

水族館大好き３人で大はしゃぎの一日

今回のメンバーはみんな水族館が大好き！

須磨に行く前に、

• 私は atoa（新感覚の“魅せる水族館”！）
• 友達は 鳥羽水族館
• もうひとりは 沼津港深海水族館

それぞれ別の水族館を巡っていたみたいで、みんなが買ってきたお土産が全員魚グッズで驚き。

シーラカンスのマグネット、ダイオウグソクムシの靴下、ポップなお魚ポーチ…

もう笑うしかない。相変わらずな3人です。

３人で行くと、時間がゆっくり流れる不思議

この3人で水族館に行くと、ひとつの水槽に何十分も張りつく。

気づいたら順路を一周して、出口に来たのに、なぜかまた入口に戻ってる…（笑）

じっくり見ていると、いろんな“変化”が見えるんですよね。

• 午前はメスだけだったアシカの水槽に、午後から突然オスが登場していたり
• 昼は泳ぎ回ってたペンギンたちが、夕方には陸に並んで空を見上げて鳴いてたり
• ふわふわ漂ってたクラゲが、次第に触手が絡まって団子状態になって慌てていたり

こういう発見がたまらないんです。

シャチのショーは2回見ちゃった！

ドルフィン＆オルカショーは1日３回あって、

気づいたらオルカショーは2回も見てしまいました。

私たちの水族館はオルカショーで始まりオルカショーで終わりました。

締めは魚料理！「見るのも好き、食べるのも好き」

帰りは大阪梅田の『近畿大学水産研究所』でお魚料理をいただきました。

「魚は見ても楽しいし、食べても美味しい！」と笑いながら、

今日の水族館談義に花が咲きました。

とびきり楽しい1日。

この3人と行く水族館は、毎回、特別な思い出になります。

ひとり語りラジオ始めました↓
番組 #まるがお。夜さんぽ #Radiotalk
https://radiotalk.jp/program/165400

※事前にゴッホ展の予習をしていきました。ゴッホ展へ向かう前に――予習で深まる私のゴッホ愛もぜひ読んでみてください。

ついに行ってきました、「大ゴッホ展」。

2025年9月から始まった大規模な企画展で、阪神・淡路大震災から30年という節目に「希望と再生」をテーマにした展示です。

会期：2025.09.20（土）〜 2026.02.01（日）
会場：神戸市博物館（福島・東京に巡回予定）

オランダのクレラー＝ミュラー美術館から約60点のゴッホ作品が来日し、さらにモネやルノワールなど同時代の印象派も並ぶ、かなり贅沢な内容でした。

今回は、私が実際に見た作品の印象と、章ごとの見どころを、感じたままにまとめていきます。

1章：暗い画面の中に宿る “小さな光”

入口に入るとまず、ゴッホのオランダ時代。

ミレーに強く影響を受けていた頃の作品が並びます。

特に「ジャガイモを植える農民」は、どこかミレーの《落穂拾い》を思わせる構図と雰囲気。

暗い土色、重たい空気。

でもその中に、小さな灯りのような“人間の誠実さ”が描かれているように感じました。

闇のなかに存在する光こそに美がある

暗い部屋で椅子に腰掛ける女性。小さな窓から入ってくる柔らかな光に照らされている。全体的にとても暗い絵ですが、眺めていると、とても優しい気持ちになれます。

ゴッホはデッサンも素晴らしくとても細かくて、

「やっぱりベースがめちゃ上手い人なんだな…」と感じました。

そして、農民の顔や手の描き込みがとにかく強い。

数学的に正確な頭部ではなく、大まかな頭部…例えば掘る人が顔を上げて風を嗅ぐときの表情、話しているときの表情…つまりは命だ。

と語るように、ゴッホは自然な表情を描こうとしていたようです。

《籠を持つ種まく人》のデッサンは、絵を見てもチャット違和感の残る作品で、なんだか急に幼稚に見えるような作品でした。その作品の横のパネルではゴッホの言葉がこのように添えられていました。

種を蒔く人ではなく、種を蒔くポーズをとっている人と言うが、全くその通り。
あと、1.2年もすれば種をまく人が描けるようになるだろう。
大変なのはポーズを取るということがどういうことなのかをわかってもらうこと。デッサン画家の小さな悩みだ。

なるほど。ポーズをとった農家のモデルさんのポーズがぎこちなかったのか…

僕は見たまましか描けないというゴッホが見たまま描いた結果、なんだかぎこちなさの残る作品に仕上がったということのようです。なんだかおかしくて笑ってしまいました。

《ジャガイモを食べる人々》では、

「彼らの誠実に稼いだ食事を描きたかった」という気持ちがストレートに伝わってきて胸が熱くなりました。

2章：パリでの出会いが生み出した “光と色彩”

続く第二章は、ゴッホがパリに到着してからの急激な転換期。

シニャックやスーラの点描法、モネやルノワールの明るい色彩を吸収して、

絵が突然パッと明るくなるんです。「変化」が一目でわかる構成になっていました。

ゴッホの作品だけでなく、印象派画家の作品も楽しめ、見応えたっぷりでした。

印象派について語ってくれたが、僕が考えたものとは少し違う。印象派のグループではないものの、素晴らしいと思うものはドガの裸婦やモネの風景とかである。

とゴッホは語っています。印象派と少し距離があるようなセリフですが、とても影響を受けたことは一目瞭然でした。

印象的だったのは《石膏像のある静物》。

しっかり形を捉えながらも、鮮やかに色を置いていくリズムがあって、どんどん自分のスタイルを掴み始めているのが伝わりました。

ゴッホのタッチは、どこか爽やかな風のようなものを感じます。

見ているだけで、なんだか落ち着く。そして、彼の描く絵から風を感じて心が洗われる。

夜のカフェテラス

目玉はなんと言っても 《夜のカフェテラス》。

南フランスの強い陽光が、ゴッホの色彩を一気に解放した時期です。

この作品に添えられた言葉は

妹よ僕は今、豊かで素晴らしい自然の表情を描かねばならないと思っている。
僕らに必要なのは陽気さと幸福と希望と愛だ。

日本では約20年ぶりの公開だそうです。

実際に目の前に立つと…

イエローは思っていたより“渋い”

やっぱり経年で黄色は茶色っぽく落ち着いた色に変化していました。

それでも、カフェの灯りの部分だけは、筆跡が残るほど厚く塗られていて、

「この灯りだけはどうしても輝かせたかったんだろうな」と感じます。

星空の青は“一色ではない”

濃い青の中に、細かな星の集まりの明るさがあって、

夜空のムラまでもがリアルに表現されていました。

ただの青じゃない。

そして天文学者がこの絵の星の位置を調べると、1888年9月９日から２週間の間に描かれたことがわかるそうです。

ゴッホはやはり、見たままの色をキャンバスに乗せて描いたんですね。

展示室にいると「本物の星空を見ているみたい」そんな不思議な気持ちになりました。

3章：アルルでついに“色彩の爆発”へ

第三章は、ついに来た！ アルル時代。

淡いオレンジ色の夕陽が地面を青っぽく見せている。輝かしい黄金の太陽。

太陽を描く事にとてもこだわりを持っていたゴッホ。
あの直視できないほどのエネルギーの塊をキャンバスに表現しようとした。

《夕暮時の刈り込まれた柳》の太陽は生命力そのもの。見ているだけで熱を感じるような黄金の太陽。

アルルという土地がゴッホに与えた影響の大きさがよくわかります。

彼の喜びが絵画から伝わってきます。

まとめ：ゴッホは「光に向かって歩く人」だった

今回のゴッホ展は、

暗いオランダ時代 → パリで光を知る → アルルで色彩が爆発

という、前半生の大きな流れを体験できる展示でした。

どの章にも「影」と「光」があり、

オランダ時代から感じられた“弱い立場の人に寄り添うまなざし”は、ゴッホの根っこにずっと流れているものだと思います。

モデル代が足りず、ほんとうなら人物画に没頭したかったところですが、ただ花を描いて一連の色彩研究の習作をやってます。

ちょっと拗ねた子供のようなこの言葉も可愛らしい。
そしてこの言葉に私はワクワクしました。

叶うことはないけれど、私がモデルになったら、彼は私のどんな表情を描いてくれるのでしょうか…

なんて想像したりして、そんな余韻に浸っています。

この間、お友達に神戸でやっている【大ゴッホ展】へ行こうと誘ってもらいました。

ゴッホ展に行く前、私は久しぶりに“居ても立っても居られない”気持ちになりました。

そこで、ゴッホの人生を丁寧にたどり直す”予習時間”へ突入！もっとゴッホのことを知りたい、彼の心に少しでも近づきたい――そんな思いで、一冊の本を手に取りました。

それが、原田マハさんの小説『リボルバー』。

メルカリで中古を購入して、ワクワクしながら到着を待ち、手元に届いたのは注文から5日後。

封を開けた瞬間のあの高揚感。

ここ最近は読書の時間があまり取れなかったこともあり、文字が流れ込んでくるだけで、心がじんわり満たされていくようでした。

■ モネが好きな私が、こんなにもゴッホに惹かれていたなんて

私はモネが大好きで、睡蓮の庭のような、緑に抱かれる静かな世界にずっと憧れてきました。

でも今回、ゴッホ展に向けて予習をしていくうちに、

「あれ…私、こんなにもゴッホが好きだったんだ」

と、自分の気持ちに気づいて少し驚きました。

■ 孤独と病と貧困…それでも描き続けた二人の画家

『リボルバー』を通してあらためて知る、ゴッホとゴーギャンの人生。

孤独、病、貧困――その渦中で描いた絵が、いまや“人類の至宝”と呼ばれるほどの存在になっている。

考えれば考えるほど胸が締めつけられます。

”孤独はタバコ以上に寿命を縮める”とどこかで聞いた気がします。

私は幸い、そんな極限の孤独を体験したことはありません。

だからこそ、想像するだけで息が詰まるし、のぞいてみたいとも思わないほどです。

それでも、彼らが孤独と絶望を抱えながら描き続けた事実には、どうしようもなく引き寄せられてしまいます。

■ ゴッホの日給60億円？ 数字で見えてきた圧倒的な“凄み”

ゴッホは1日1枚のペースで絵を描いていたと言われています。

そして近年、彼の絵はオークションで60億円を超えて落札されることも。

仮に「1日1枚＝60億円」と考えたら…

ゴッホの日給60億円。

お金で語るのは下品かもしれない…

でも、数字に置き換えると、彼の情熱がどれほど途方もないものだったのか、別の角度から浮き上がってきます。

■ 命の終わりにある「真相」―自殺か、他殺か

ゴッホの死因には、自殺説と他殺説があります。

死を選んだにも関わらず、なぜ腹部を撃ったのか。

他殺なら、なぜ撃たれたことを言わずに亡くなったのか。誰を守ろうとしたのか…。

その答えはもう永遠にわかりませんが、

そこに“底知れない愛”みたいなものを感じずにはいられません。

■ ゴーギャンの絶望と、生き延びてしまった4年間

ゴーギャンは50歳で《我々はどこから来たのか 我々は何者なのか 我々はどこへいくのか》の大作を描いた直後、ヒ素を飲んで自殺未遂をしています。

しかし死に切れず、その後54歳で心筋梗塞で急死。

あの4年間、彼は何を思いながら生きていたんだろう…。

考えるだけで胸がざわつきます。

■ “予習”は心の準備

そんなことをあれこれ感じながら、私はゴッホ展に向けて深い予習時間を過ごしています。

孤独と闇の中で描かれた絵が、光の中に飾られている。矛盾の中の美しい絵画たち。

この気持ちのままゴッホの作品を目の前にしたら、私はいったい何を感じるんだろう。

今、その瞬間がとても楽しみです。

▶ 実際に行ってきた体験記はこちら → 光に向かって歩くゴッホ｜神戸市立博物館「大ゴッホ展」レポート